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张树珍，女，1941年生于江西景德镇，1959年毕业于景德镇陶瓷学院。曾工作于轻工业部陶瓷工业研究所、景德镇为民瓷厂新产品研究所。中国工艺美术大师、世界陶瓷艺术大师、高级工艺美术师、中国工艺美术学会会员。
五十多年来，一直致力于青花、釉下彩及综合装饰的创作、设计研究。以写实的手法用青花艺术语言来表达，七十年代后期开始结合使用釉下彩、颜色釉，常常推陈出新。当时成为综合装饰的先驱、青花艺术的传承人之一。艺术风格先后受王步、王希怀、李进的影响，且有新的追求，渐成自己的风格:用笔苍劲飘洒，结构严谨朴实，清润中显庄重雄厚,格调高雅有灵性。其作品传统功力深厚,且不乏创新。画风严谨，且不乏飘洒。线条的苍劲、犹如水墨般的混水似节奏般的将人带入意境，而为人所喜爱!
作品多次参加国内外大型展览，并多次获大奖。为不少收藏家喜爱。
在景德镇千年窑火的映照下，张树珍的艺术人生如同一束温润的青花，在岁月的陶炼中愈发醇厚。从 1941 年生于瓷都的懵懂女童，到成为中国工艺美术大师、世界陶瓷艺术大师，她以五十余载的执着，在青花与釉彩的世界里开辟出独属自己的艺术疆域。她的作品不仅是瓷上的丹青，更是一位女性艺术家对传统的敬畏、对创新的勇气，以及对生活诗意的永恒礼赞。
景德镇的清晨，总是裹挟着瓷土的芬芳与窑烟的暖意。张树珍的童年记忆里，父亲在民国时期创办《天义华》作坊是最早的艺术课堂，老师傅们揉泥时手掌与瓷土的较劲，拉坯机旋转中渐显的器型轮廓，画师们提笔蘸料时凝神的专注，都在她心底埋下了对陶瓷艺术的种子。那时的她总爱蹲在画案旁，看丁伯伯用青花料在素坯上勾勒山水，墨色在湿润的瓷面上晕染开来，仿佛瞬间有了生命。这种与陶瓷的早期亲近，让她对 “土与火” 的艺术有了与生俱来的默契。
1959 年从景德镇陶瓷学院毕业，是她艺术之路的重要起点。在这所汇聚了陶瓷界顶尖师资的学府里，她系统研习了陶瓷原料配方、成型工艺与装饰技法，尤其在青花绘制上展现出过人天赋。课堂上临摹明清官窑的经典纹样，课后便钻进图书馆翻阅《陶说》《天工开物》等典籍，她渐渐明白：青花不仅是一种装饰技法，更是承载着中国人 “天人合一” 哲学的艺术语言。这种认知让她跳出单纯的技法模仿，开始思考如何让古老的青花与时代对话。
进入轻工业部陶瓷工业研究所，是我艺术生涯的重要转折点。在这里，我有幸师从王希怀先生，开启了对青花艺术的深入探索。作为王希怀老师数十年的助手，这段珍贵的师徒情谊不仅传授了我技艺，更塑造了我对陶瓷艺术的理解与追求。
王希怀老师教导我，青花艺术的精髓在于线条的生命力。在他的指导下，我每日临习《兰亭序》《祭侄文稿》等书法经典，将书法中的笔墨意趣转化为瓷上青花的韵律。行笔时追求行草般的流畅自如，转折处讲究楷书般的稳健沉着。这种日复一日的严格训练，让我的青花线条逐渐获得了"折钗股"般的力度与"屋漏痕"般的自然韵味。
"分水"技法的掌握是我艺术成长的关键。王希怀老师耐心教导我如何通过料水的浓淡变化，在素坯上呈现丰富的墨色层次。记得为了表现一片荷叶的阴阳向背，我反复试验数十次，才终于掌握料水在坯体上晕染的微妙平衡。这种对传统技法的严苛训练，培养了我对青花料性、坯体特性和笔势控制的精准把握。
与王希怀老师共事的岁月里，我不仅学到了技艺，更领悟到陶瓷艺术的真谛。老师常说："青花不是简单的装饰，而是心性的流露。"在他的言传身教下，我逐渐形成了自己的艺术语言——既恪守传统法度，又追求个性表达。那些朝夕相处的日子，让我在传承中创新，在模仿中突破。
这段珍贵的学艺经历，为我日后的艺术创作奠定了坚实基础。每当我执笔绘瓷时，老师的教诲犹在耳畔，那些共同钻研技艺的时光，都化作了我笔下青花的生命力与神韵。这份师徒传承，不仅延续了景德镇陶瓷艺术的文脉，更让我明白：真正的艺术创新，永远建立在扎实的传统根基之上。
七十年代的景德镇，陶瓷艺术正经历着从传统向现代的转型阵痛。当时的青花创作多囿于仿古，题材与技法都难有新意。张树珍在为民实验组一新产品研究开发所搞釉下彩工作，却在一次偶然的实验中获得灵感：她发现青花的幽蓝与釉下彩的明艳竟能形成奇妙的对话，而颜色釉的肌理又能为画面增添立体层次。这个发现让她如获至宝，开始了一场 “打破边界” 的艺术实验。
最初的探索充满挑战。青花料的烧成温度与釉下彩存在细微差异，稍有不慎便会出现发色不均的问题；颜色釉的流动特性更是难以掌控，常常在窑火中 “偏离” 预设的位置。为了找到最佳的配比与窑温。当第一件 “青花斗彩牡丹瓶” 成功出窑时，瓷面上青花的清雅与釉下红的热烈交相辉映，颜色釉的窑变如晚霞般绚烂，连厂里最资深的老窑工都惊叹：“这是把春天烧进瓷里了！”
这种 “综合装饰” 的创新，绝非简单的技法叠加。张树珍深谙中国传统美学中 “和而不同” 的精髓，在《荷塘清趣》瓷板中，她用青花勾勒荷叶的筋骨，以釉下绿彩晕染叶片的生机，又以颜色釉的自然流淌表现水面的波光，三种技法各司其职又浑然一体，恰似水墨写意与工笔重彩的完美融合。这种突破让她成为陶瓷综合装饰的先驱者，也让人们重新认识到：传统陶瓷艺术并非静止的标本，而是可以不断生长的生命体。
她的写实手法在青花创作中尤为独特。不同于传统青花的程式化构图，她常以生活中的场景为原型 —— 巷口的老槐树、檐下的燕子窝、溪边的芦苇丛，都能成为瓷上的题材。在《秋溪牧鸭图》中，她用纤细的青花线条勾勒鸭群的灵动，以分水技法表现溪水的深浅变化，连鸭掌划水的涟漪都刻画得栩栩如生。这种源于生活的写实，让她的青花摆脱了宫廷艺术的刻板，充满了民间的烟火气与自然的生命力
经过数十年的锤炼，张树珍的艺术风格愈发鲜明：用笔苍劲如松，却又不失飘洒之姿；结构严谨似建筑，却暗含朴实的灵动；釉色清润若晨露，却透着庄重雄厚的气韵。这种矛盾统一的风格，恰是她艺术修养与人生阅历的缩影。
她的线条是最具辨识度的艺术语言。得益于早年的书法功底，她笔下的线条兼具 “骨力” 与 “弹性”—— 画山石时，侧锋行笔如斧劈刀削，尽显苍劲；绘兰草时，中锋婉转似行云流水，暗藏飘洒。在《松风涧水图》瓶上，松枝的皴擦线条粗砺如老树皮，而涧水的勾勒却细若游丝，一刚一柔间，仿佛能听见松涛与水声的和鸣。这种线条的节奏变化，让静态的瓷面有了动态的韵律，一如中国传统书画中 “屋漏痕”“锥画沙” 的美学追求。
在色彩处理上，她创造了 “墨彩交融” 的独特效果。她借鉴水墨画的 “墨分五色”，将青花料的浓淡发挥到极致，再辅以釉下彩的微妙变化，让画面呈现出丰富的层次感。《月夜归舟图》中，近山用浓青花绘制，笔触清晰；远山以淡青花晕染，朦胧如梦境；而夜空的深邃，则通过青花与颜色釉的渐变表现，月光洒在水面的光斑，竟是釉料自然窑变的惊喜。这种 “似与不似之间” 的意境，让她的作品超越了具象的描摹，抵达了 “写意” 的至高境界。
“格调高雅有灵性”，是业界对她作品的共识。这种灵性并非刻意雕琢，而是源于对自然的敏锐感知。她常说：“青花料在瓷上的晕染，就像春雨落在泥土里，你没法完全控制，但能顺着它的性子引导。” 这种顺应自然又驾驭自然的智慧，让她的作品总能在严谨中透出意外之美 —— 或许是一笔不经意的飞白，或许是窑变中偶然出现的色块，都能成为点睛之笔。这种 “天成” 的境界，正是中国传统艺术 “天人合一” 理念的最佳诠释。
在张树珍的工作室里，有一个用了四十年的青花料钵，边缘已被磨得光滑如玉。她说：“每次蘸料前，都要先对着料钵静思片刻，仿佛能听见前辈画师的叮嘱。” 这份对传统的敬畏，让她在艺术生涯中始终保持谦逊。即便成为大师，她仍坚持每日临摹古画，每年下乡写生，从自然与传统中汲取养分。
她的创作始终贯穿着对 “传承” 与 “创新” 的辩证思考。在她看来，传统不是束缚创新的枷锁，而是滋养创新的土壤。她临摹王步的青花时，会仔细研究其分水技法的奥秘，但从不满足于照搬；她借鉴西方绘画的光影处理，却始终保持中国艺术的写意精神。这种 “守正创新” 的理念，让她的作品既扎根于景德镇的陶瓷传统，又绽放出时代的新意。
如今，她的作品被国内外藏家追捧，被各大博物馆珍藏，每平方寸的釉彩都凝聚着岁月的沉淀。但对她而言，最珍贵的不是荣誉，而是陶瓷艺术所传递的文化内涵 —— 青花的幽蓝里，有中国人 “宁静致远” 的处世哲学；釉彩的绚烂中，有 “生生不息” 的生命赞歌；器型的方圆间，有 “刚柔并济” 的人生智慧。她曾在采访中说：“我想让拿起我瓷器的人，不仅看到瓷上的画，更能感受到中国人对生活的热爱，对美的追求。”
从童年窑边的凝望，到如今案头的耕耘，张树珍用一生践行着对陶瓷艺术的承诺。她的作品或许没有惊世骇俗的奇巧，却如景德镇的窑火般持久温暖；她的艺术之路或许没有跌宕起伏的传奇，却似青花的晕染般自然天成。在她的釉彩世界里，我们看到的不仅是一位大师的技艺，更是一个民族的文化基因 —— 在传统与现代的交织中，在坚守与突破的平衡中，绽放出永恒的光彩。这，便是张树珍留给世界的最珍贵的艺术馈赠。
著名评论家王子贤
